¿POR QUÉ?

 ¿Por qué la gente abandona la trayectoria pública durante un tiempo? Hoy dos ejemplos , uno de los mejores diseñadores de moda que ha tenido España y uno de los mejores poetas en lengua castellana , todo desde mi punto de vista.

¿ Conocéis a   Josep Font ?    Josep Font ( Santa Perpètua de Moguda 1965) estudió Arquitectura en la Universitat Politècnica de Catalunya, diseño de Moda y Patronaje en Barcelona. empezando de este modo como diseñador profesional. Su primer éxito en este campo fue ganar el concurso de Air France en 1984 celebrado en París , esto marcó el comienzo de su carrera y su vínculo a la capital francesa donde fue invitado a participar en la Semana de la Alta Costura y   llegó a tener tienda. Pero llegó la crisis financiera del 2008 y con ella los problemas, la socia mayoritaria de la marca Font consiguió apartarlo a través de un proceso judicial, la consecuencia : decidió tomarse un periodo de descanso  hasta que en el 2012 con la muerte de Jesús del Pozo se incorpora la afirma -pasando al denominarse Delpozo- realizando en el 2015 una de sus mejores colecciones titulada  “Josef Albers”  en honor al arquitecto del mismo nombre. Pero a finales del 2018 dejó la firma.

Pero ¿que es de Josep Font  en la actualidad? , pues no se, supongo que seguirá diseñando desde el anonimato. Desde que dejó DelPozo en el 2018 no se le volvió a ver hasta la retrospectiva que le organizó el Museo Balenciaga en el 2023, pero entre medias hizo colaboraciones,la que conozco es la colección de vajillas para la empresa Ultramar , Pero una colaboración anterior que me parece fantástica fue la del sofá CLIPPER que diseñó con Oscar Tusquets para Driade que nunca se comercializó:

 

Oscar Tusquets:"Este prototipo lo hicimos con Josep Font cuando Enrico Astori tuvo la idea de colaborar con modistos famosos. Yo escogí a Josep Font, cuyo trabajo me encantaba. Trabajar con Font fue muy agradable y el resultado final muy bonito. Aunque, como muchas otras atrevidas ideas de Enrico, la producción no se llevó adelante. Una lástima".  

 

 De papel  son estos bocetos de Josep Font  del loa años 2008-09 y de papel estos recortables  de los años 60 del siglo pasado.

Recortable de papel sobre bocetos de la colección otoño-invierno 2007-2008 de Josep Font que al preguntarse en una entrevista sobre una inspiración: "Imposible quedarme con una..."

 

Recortable de papel sobre bocetos de la colección otoño-invierno 2007-2008 de Josep Font

 

Recortable de papel sobre una imagen de la campaña primavera-verano 2008 de Josep Font: "Después de la alta costura lo que venga será bienvenido" , Reflexión del año 2009

 

 Entre 1964 y 1991, José Hierro no publicó ni un solo poema, muchos creyeron que se había retirado. Hoy en el apartado de poesía  Libro de las Alucinaciones (1964), la obra con la que iniciaría un retiro que se prolongaría durante 27 años, pero en el que jamás dejó de escribir:

  

MADRIGAL
LIBRO DE LAS ALUCINACIONES (1964)

¿Dónde estaréis, cómo borraros, ojos
míos, silencios de color oliva?
¿Tras de la mar, latiendo en algas?
¿En la pálida lejanía?
¿Abriendo en las murallas del otoño
puertas de oro con llaves de ceniza?
¿Al sur donde libera el ruiseñor
su chorro de hojas encendidas?

 

 ¿Conocéis a José Hierro ( 1922-2002) ?,A pesar de que nació y murió en Madrid gran parte de su vida transcurrió en Cantabria porque su familia se trasladó cundo tenía dos años y allí se formó, allí sufrió la represión política, allí formó una familia y allí trabajo en una empresa de construcción, en una fundición ,de redactor en una revista y concejal del Ayuntamiento , todo sin dejar de escribir poesía. 

¿Conocéis la poesía de José Hierro? Perteneció a la llamada Generación del 50 junto con Ángel González, Antonio Gamoneda ( mi poeta preferido), Gil de Biedma, Agustín Goytisolo, y algunos mas.Todos ellos hacían una poesía en un tono cálido y cordial, empleando temas que solamente tienen que ver con lo que hace profundamente humano al hombre, con el paso del tiempo, con la infancia, la amistad  y el amor, es decir con la vida cotidiana. 

P.d.: Hierro no era capaz de escribir en su casa, tenía que hacerlo en bares y cafeterías.

 

 

PINTURA METAFÍSICA: Mto. de Vanguardia

Y después de la publicación el color y el Fauvismo https://aespirales.blogspot.com/2024/01/fauvismomvto-de-vanguardia.html  y de la entrada el color y el Cubismo https://aespirales.blogspot.com/2026/01/el-color-y-el-cubismo.html  , voy a hablar de la pintura Metafísica , otro movimiento de las Vanguardias del siglo  XX con una obra de Giorgio de Chirico.

Piazza d´Italia. Giorgio de Chirico. 1913. Galería de Arte de Ontario. Canadá

 

 Tengo muy buenos recuerdos de este cuadro, en mi época de estudiante de Arquitectura con la asignatura de Análisis de Formas me tocó hacer un trabajo sobre una plaza renacentista italiana y elegí ésta de este cuadro, aparecía en un libro sobre historia del arte y me ipnotizó ( en aquellos años no existía internet y toda la información se encontraba en las bibliotecas). Es una pintura que representa un plaza que no se usa, sin gente- solo aparecen dos figuras estáticas -, con arquitecturas que parecen reales e irreales a la vez, utilizando  una perspectiva forzada hasta el límite , representando con todo ello un mundo que nos lleva mas allá de la realidad física ( de ahí el nombre de este tipo de pinturas: pintura metafísica)

 Para esto prototipos no me he inspirado en esta pintura,  me centro en  este cuadro para reflejarlo en la piezas

PCL20260401:Prototipo para colgante en cerámica lacada

  

PCL20260402:Prototipo para colgante en cerámica lacada

 

PCL20260403:Prototipo para colgante en cerámica lacada

Y poesía Metafísica  Es la poesía que pretende dar un sentido a un absurdo ,tal cual, expone a la vez una paradoja,  y un argumento para su solución, un contrasentido. Tendría que hablar de Alberto Savinio, seudónimo adoptado por Andrea de Chirico, hermano del pintor , pero como esta poesía ya se escribía en el Siglo de Oro Español con  poetas barrocos como Francisco de Aldana y Francisco de Quevedo, en especial, . Yo me quedo con este último: Francisco de Quevedo y Villegas  ( Madrid 1580   - Villanueva de los Infantes 1645)  , de padres relacionados con la Corte ,su padre secretario de la hermana del rey Felipe II y su madre dama de la Reina, formado en las Universidades de Alcalá de Henares y Valladolid, soldado frustrado, espía del Conde de Osuna, y acabando enfrentado al Conde Duque de Olivares ( Valido del Rey Felipe III) al hacerse eco de las quejas del pueblo por el mal gobierno , lo que le provocó ser  encarcelado en el antiguo convento de San Marcos de León  ( hoy convertido en hotel), falleciendo  dos años mas tarde de ser puesto en libertad al caer en desgracia el Conde Duque de Olivares.

Ligera, graciosamente leve, aún me sonríes. ¿Besas?
De ti despierto, amada, de tus brazos me alzo
y veo como un río que en soledad se canta.
Hermoso cuerpo extenso, ¿me he mirado sólo en tus ondas,
o ha sido sangre mía la que en tus ondas llevas? 

Pero de ti me alzo. De ti surto. ¿Era un nudo
de amor? ¿Era un silencio poseso? No lo sabremos nunca.
Mutilación me llamo. No tengo nombre; sólo
memoria soy quebrada de ti misma. Oh mi patria,
oh cuerpo de donde vivo desterrado,
oh tierra mía,
reclámame.
Súmame yo en tu seno feraz. Completo viva,
con un nombre, una sangre, que nuestra unión se llame.

                                                                        De Sombra del Paraíso 

 

Alteración aparente

Álvaro Urbano, para la exposición individual El despertar, 2020, Madrid,

  Álvaro Urbano:" llevo la técnica al límite de la simulación"

Álvaro Urbano (Madrid 1983), comenzó estudiando Arquitectura en Madrid pero pronto se trasladó a Nueva York donde comenzó a realizara "incursiones artísticas" en la vía publica y al final acaba en Berlín para estudiar Arte lo que le facilitó acceder a la labor docente en la École des Beaux-Arts de Paris.

La hoja de la fotografía superior la lleva a cabo  para una exposición individual en la que recrea el Pabellón Español en la Exposición Universal de Bruselas de  José Antonio Corrales y Ramón Vázquez Molezún, dos arquitectos el primero nacido en Madrid en 1921 y el segundo en A Coruña en 1922.

 

En el año1958 se realiza la primera Exposición Universal después de la segunda Guerra Mundial y todos los países querían participar,- se eligió Bruselas- querían mostrar sus éxitos  incluida España que aunque no había participado en la Guerra también tubo la suya. Fue la Exposición donde se presentó un diccionario electrónico, la primera audio-enciclopedia, una máquina que clasificaba miles de cheques en poco minutos y el queso pasteurizado, y aún mas, su símbolo el Atomiun -al igual que la Torre Eiffel- no se desmontó. Pero como arquitecta, me centro en el pabellón de España , una propuesta con un lenguaje muy vanguardista para lo que se hacía en este país , ademas de desmontarse podía crecer o reducirse según las necesidades, Corrales y Molezún consiguieron una obra maestra !"comenzando por el tejado"!( una cubierta ligera formada por elementos hexagonales en planta y con pendiente hacia el centro donde se encuentra con un pilar que a la vez sirve de canalón para desaguar. Un conjunto de 130 de estos hexágonos conforman el edifico )  

Los prototipos con hojas de cerámica que han dado lugar a esta publicación;

20260320:Prototipo para broche en cerámica fotografiado sobre imágenes del Pabellón Español en la Exposición Universal de Bruselas

 

20260322: Prototipo para broche en material cerámico lacado y sujeto a un alfiler .

 

20260332: Prototipo para broche en material cerámico lacado y sujeto a un alfiler .

  Y el año que Corrales y Molezún inauguraban su pabellón en Bruselas, fallecía Juan Ramón Jimenez , poeta español que dos años antes había ganado el Novel de Literatura,( Para mi generación lectura obligada en los primeros cursos de colegio , no por su poesía , sino por su obra en prosa  Platero y yo.)

  Juan Ramón Jiménez Mantecón ( Moguer en España 1881- San Juan en Puerto Rico 1958), Un hombre con un perfil cosmopolita: en  Huelva, Sevilla vivió para formarse, en Madrid  para publicar sus primeros libros, Burdeos para curar una depresión producida por la ruina económica de su familia, Nueva York para casarse  con Zenobia Camprubí, a continuación Washington como agregado cultural en 1936, Cuba el lugar en el que  dio una serie de conferencias, Miami  en el que compuso los Romances de Coral Gables , Universidad de Maryland a donde fue a impartir clases, al igual que en Puerto Rico ,donde ademas   falleció y por ultimo vuelta a Moguer en cuyo cementerio ha sido enterrado.

P,d,: donde nunca estuvo fue en Oslo, no recogió personalmente  el premio  , dos días antes de la concesión fallecía su esposa y volvió a recaer de la depresión que venía arrastrando desde su juventud.

 Ahora un trocito de los Romances de Coral Gables:

Ayer tarde,

volvía yo con las nubes

que entraban bajos rosales

(grande ternura redonda)

entre los troncos constantes. La soledad era eterna y el silencio inacabable. Me detuve como un árbol y oí hablar a los árboles. El pájaro solo huía de tan secreto paraje, solo yo podía estar entre las rosas finales. ............

 

 

 

 

Entre Sofisticación y Sencillez

 

Sofisticación:¿ cosa sencilla pero que en el fondo necesita un profundo conocimiento ?

Si nos fijamos en esta  pintura de Lore koch, vemos que con cuatro colores y unas líneas muy depuradas consigue una composición muy sofisticada ¿Es así?. Esto es lo que pretendo con los siguiente prototipos de gargantillas, busco piezas que se puedan definir dentro del "minimalismo sofisticado" , piezas con pocos elementos distintos y con mucho diseño (  me refiero al empleo de líneas y volúmenes limpios y sencillos )

Sin título, pastel sobre papel,  Lore Koch, 1970 

 

  Eleonore Koch (1926 -2002),nace en Berlín en el seno de una familia judía, hija de una psicoanalista y un abogado que huyeron a Brasil en 1936 . Con 23 años se traslada a París para completar sus estudios sobre escultura, regresa a Brasil cuatro años mas tarde donde trabaja como ayudante de escenografía en teatro y televisión y como secretaria de un científico ya que no podía  ( ni pudo) vivir de la venta de sus obras.El año 1966 fue importante para su vida, una tía suya le envía un pasaje para Grecia y allá va con algunos de sus cuadros. Desde Grecia se muda a Londres con la intención de exponer, cosa que consigue  en donde recorre  las galerías para exponer , sin éxito, hasta que Mercury Gallery le ofrece participar en una exposición y es aquí donde conoce a Alistair McAlpine (un coleccionista con posibles) que se compromete a comprarle toda su obra durante siete años, consciente de que esto no va a durar para siempre , acepta un trabajo de traductora de portugués en Scoltland Yard , hasta que en 1989 regresa a Brasil ya jubilada , pero sin olvidar la pintura hasta su fallecimiento .

Su obra se caracteriza por una precisa representación de objetos cotidianos como , mesas, sillas ,macetas....y una estricta composición , normalmente horizontal.

 Creo que no he conseguido legar a ese "minimalismo sofisticado"del que hablaba al principio de la publicación, pero el resultado me gusta, ¿que opináis?:

PGR202403:Prototipo para gargantilla con colgante en miga de pan lacada y montada sobre alambre negra.

  

PCL202407:Prototipo para colgante realizado con pasta de papel tratado y lacado y utilizando dos arandelas de goma para su sujeción.

 

PGR202005:Prototipo para gargantilla en miga de pan lacada y montada sobre alambre negra.

PGR202410:Prototipo para collar con cuentas de pasta cerámica.

 

Y poesía de Paulo Leminski ( 1944-1989) Uno de los autores mas influyentes en la poesía brasileña desde los años  ochenta hasta hoy.  Estudió Derecho, latín ,inglés, español. griego, filosofía, teología, literatura clásica, interesado por la cultura japonesa del zen-budismo, practicante de yudo, escritor de Haikus, crítico literario, traductor de poemas de la antigua lengua egipcia, de la azteca , del sánscrito, publicista literario,,colaborador con el cantautor Caetano Veloso y bebedor de vozka ,  todo ésto es solo sus 44 años de vida ( murió por una cirrosis hepática). 

"Eu sofro antes de começar, sofro um dia enteiro. Mas näo quando escrevo, näo sofro no papel,aí flujo, o  poema já vem pront, com suas rimas internas, aliteraçöes, a métrica, o ritmo, tudo. Tenho mecanismos básicos implantados dentro de min." 

“Yo sufro antes de empezar, sufro un día entero. Pero no cuando escribo, no sufro en el papel, ahí fluyo, el poema ya viene listo, con sus rimas internas, aliteraciones, la métrica, el ritmo, todo. Tengo mecanismos básicos implantados dentro de mí”. Comentó en una entrevista a una revista literaria dos años antes de morir.

Lleva años

cinco jugando al fútbol,

otros cinco estudiando sánscrito,

seis cargando piedras,

nueve de novio con la vecina,

siete siendo apaleado,

cuatro andando solo,

tres mudándose de ciudad,

diez cambiando de asuntos,

una eternidad, tú y yo,

caminando juntos.

  Un buen poema  Paulo Leminski 

Ahora en portugués, la lengua en la que fue escrito:

Leva anos

         cinco jogando ao futebol,

outros cinco estudando sânscrito,

         seis carregando pedras,

nove de namorado com a vizinha,

         sete sendo espancado,

quatro andando só,

         três a se mudar da cidade,

dez mudando de questöes,

         uma eternidade, você mais eu,

caminhando juntos. 

 

 Y me falta comentar algo sobre Oscar Niemeyer , otro importante brasileño que coincidió en el mismo periodo temporal  con Leminski y Koch , pero este ARQUITECTO necesita una publicación propia.

Leed, leed poesía 

 

 

 

 

 

Para el PAPEL

 

 El papel simboliza el oficio del artista como soporte,¿ sin papel se puede croquizar, bocetar a mano alzada, esquematizar de forma rápida ? la respuesta es si, pero no es lo mismo porque faltaría el "alma".

 En el 2007 no existía la IA, el diseño estaba dominado por el  Photoshop , el inDesign, el CorelDraw, el AutoCAD2007, pero el papel .......

En el 2007 Lorena Rodríguez gana el Premio Nacional de Jóvenes Diseñadores (Ourense 1979) y con los bocetos para su colección Photobook1 fotografío los recortables que presento en esta publicación , su estética tan singular con  la ausencia de color y líneas depuradas en blanco y  negro  sobre obras de arquitectura contempor-anea. me han ayudado a realizar estos montajes:

Recortable  de papel sobre fotografía de un boceto de la colección Photobook en el que aparece el Pabellón Barcelonade Mies van der Rohe

En el 2007 se entrega el Premio Nacional de Arquitectura a Santiago Calatrava (Valencia 1951) que lo ganó en el 2005 ( en el año 2006 quedó desierto......) por su "particular " proyección internacional con sus grandes estructuras en blanco. Su estilo nace de la combinación de su formación como ingeniero y arquitecto y sus pretensiones de escultor y pintor, esto le ha llevado a diseñar estructuras que se asemejan al funcionamiento del sistema óseo del cuerpo humano:

Recortable de papel sobre fotografía de un boceto de la colección Photobook 1 en la que aparece L¨Hemisferic en la Ciudad de las Arte y las Ciencias de Valencia

   

En el2007 le conceden el Premio Nacional de Artes Plásticas a Isidoro Valcarcel Medina (Murcia 1937):

 

The Movement of the Idea,  Valcárcel Medina , IVAM, Valencia

  

 Isidoro Valcárcel Medina (Murcia en 1937) cursa estudios de Arquitectura y Bellas Artes en Madrid.
Es uno de los artistas más representativos del llamado arte conceptual en España.

Desde su primera exposición en 1962,(año de la publicación del recortable de esta publicación) donde parte de una abstracción, evoluciona rápidamente hacia estructuras constructivas caracterizadas por su simplicidad formal ( como esta pintura en blanco y negro )

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 Y el Premio Nacional de Poesía en el 2007 recayó en Olvido García Valdés (Santianes de Pravia, 1950), una Licenciada en en Filología Románica por la Universidad de Oviedo y en Filosofía por la Universidad de Valladolid . Como siempre acabo con poesía, con la poeta galardonada el 2007:

Las flores de algunos árboles
recién brotadas
son como caracoles
verdes, árboles invadidos
de infinitos gusanos,
levedad de materia.
Me da miedo la luz,
lo quieto de la luz,
el hueso de tu sien
contra la mía.

De “Ella, los pájaros” 1994

En PAPEL

 

Formo parte de las nacidas en la década de los "60"  al igual que estos recortables editados en 1964, ( número de depósito legal:BI-663/64)

El fenómeno de los recortables en papel surgió en los años "20" del siglo pasado en EE UU para acompañar a  juguetes tridimensionales  y lo popularizó la empresa Butterick y su revista de patrones en papel destinada al publico femenino donde se  trataban temas de telas y moda, mas tarde crearon el apartado infantil para  publicabar cuentos, pasatiempos y recortables  en papel que se popularizaron rápidamente, considerandose  los años treinta , los cuarenta y  los cincuenta como la  "Edad de Oro de la muñecas de papel". ¿Sabíais que la muñeca de papel mas popular fue la de Barbie? Barbie, su novio Ken y su hermana Skipper fueron hechas en dos dimensiones en papel para acompañar a las cajas desde 1962 hasta los noventa! en EE UU.

En esta publicación "visto" con los estilismos de cada una, un reflejo de la moda de la época para adolescentes:

 

 

    

 

 

 Los recortables en papel no se quedaron únicamente en juguetes, del mismo modo tenemos ejemplos en la arquitectura, la llamada arquitectura de papel, en España contamos con un arquitecto Mariano Bayón Álvarez  gran coleccionista de estampas recortables sobre modelos  de teatros y escenarios,(  Arquitecturas de papel: una iconografía popular de la arquitectura, Mariano Bayon,)

 Mariano Bayón es un arquitecto, diseñador industrial,profesor de proyectos en la ETSA Madrid, ensayista y colaborador de montajes de exposiciones y escenarios, pertenece a la denominada" Generación del 68, siendo sus obras --desde mi punto de vista-- mas notables : el edificio para Red Red Eléctrica de España en Sevilla de 1992, el Teatro Circo Price en Madrid del 2007 y  Nueva Hospedería del Monasterio de Poblet del 2010.

 Y como siempre , cerramos con poesía hoy con una poeta que en la década de los "60" publicó sus obras mas conocidas: Gloria Fuertes.

Nadie me quiso tanto
como yo quise.
Siempre gané amando.
 
Soy medalla de oro
en saltos de ternura.
 
Nadie se enamoraba de mí
como yo me enamoraba
hasta enfermar
hasta padecer
hasta enloquecer.
 
—Alégrate Gloria,
que te pasa lo que a Dios,
que siempre nos quiere más
que lo que le queremos.

 

 Gloria Fuertes ( Madrid 1917-1998) aprendió a leer a los tres años y a los cinco ya sabía escribir , su formación la llevó por entrometimiento de su madre al Instituto de Educación Profesional de la Mujer donde se impartían  todas las asignaturas propias de su sexo: cocina, bordados, higiene  corte y confección, taquigrafía y mecanografía, pero ella como no quería dedicarse a nada de eso, se matriculó en Gramática y Literatura  y así comenzó a escribir. Gloria Fuertes se convirtió en una de las principales voces de la poesía femenina  en español de la segunda década del siglo pasado.

Pd,:En el año 2016, la aerolínea noruega Norwegian Air Shuttle la homenajeó incorporando su retrato a uno de sus Boeing 737. Aseguran que es una de las personalizaciones de sus aviones que más éxito han tenido.

 

 

 

 

 

 

La Masa

La "masa" es el elemento fundamental en la arquitectura orgánica porque permite crear estructuras y formas que se mimetizan con la naturaleza asemejándose a elementos naturales como hojas, olas, troncos ....  

La masa, - en este caso pasta cerámica  y la ayuda de un cambio de escala-  es lo que necesito para llevar  los fundamentos de la arquitectura orgánica a mis prototipos, piezas que recuerdan a hojas de naranjo. Ejemplos :

PGR260301:Prototipo para gargantilla en cerámica lacada

 

PGR260302:Prototipo para gargantilla en cerámica lacada

 

PGR260303:Prototipo para gargantilla en cerámica lacada

 

PBR260301:Prototipo para broche en cerámica lacada

 Si hablamos un poco de arquitectura orgánica tendríamos que pensar en Frank Lloyd Wright ya que fue el pionero en expresar en su obra la filosofía de este movimiento , pero yo me quedo con Alvar Aalto y su manera de  diseñar, de manera orgánica imitando las formas y las estructuras encontradas en la naturaleza de su país, un ejemplo con la casa Mairea 

 

Villa Mairea

Entrada a la vivienda en Villa Mairea

 Un ejemplo: la casa Mairea , (encargada por una empresaria de la madera  por lo que este material jugó un papel muy importante en su construcción) , y su porche, el acceso a la vivienda se realiza a través de una columnata de abetos sin pulir  en los que se apoya un techo de forma totalmente libre .

 Hugo Alvar Henrik Aalto (1898-1976)fue un arquitecto y diseñador finlandés que se inició en la creación artística como pintor y acabó siendo el  único arquitecto de la Segunda generación del Movimiento Moderno reconocido como «maestro», equiparándose así a los grandes del Movimiento Moderno.

 Además Alvar Aalto junto con su esposa , la también arquitecto Aino Marsio  y otra socia, fundaron la empresa Artek dedicada a la producción en serie de sus diseños,-- una de sus piezas icónicas es el jarrón Aalto, llamado también Savoy-- y además Museo finlandés de Arquitectura y la Asociación Finlandesa de Arquitectos (SAFA) en su honor creó la medalla Alvar Aalto que se otorga  a representantes del mundo de la Arquitectura , el último galardonado fue la arquitecta belga Marie - José Van Hee ( españoles sólo tenemos a Fuensanta Nieto y Enrique Sobejano).

La arquitectura orgánica me lleva a la poesía orgánica y ésta a Félix Hormiga:

"Una red pintada con palabras" poema manuscrito sobre fondo de acuarela

 

  Antonio Félix Martín Hormiga fue un autor polifacético nacido en Puerto de Arrecife en 1951 dedicándose  hasta su fallecimiento en 2025 al relato corto, el teatro, la poesía orgánica y la pintura, todo centrado en su formación como lingüista y filósofo y en su isla de Lanzarote . Su poesía se movía entre la emoción y la idea, entre lo  íntimo y lo filosófico.Leed algo mas de su obra

 

 

 

 

El color y el Cubismo

 Hoy el Cubismo como la corriente artística que voy a utilizar para desarrollar estos prototipos de gargantillas. Podemos decir que el Cubismo es "el padre" del arte abstracto  ya que solo con formas y colores rompe con la representación clásica de la realidad. El Cubismo aparece a principios del siglo XX causando una verdadera revolución sobre todo en pintura y escultura, el Cubismo elimina la perspectiva como se venía entendiendo ya que añade distintos punto de vista a un único elemento -recordad las caras de cualquier retrato de Picasso- , el Cubismo representa cualquier elemento por medio de figuras geométricas- mirad las casas del cuadro  de Braque-:

 

Maisons à L´Estaque 1908 Georges Braque ( existen tres versiones de este cuadro, una en Francia, otra en Suiza y la tercera en EE UU)

 

 

 

 

 El Cubismo en su primera época emplea únicamente una paleta de colores apagados, dominada por grises, marrones y ocres, y estos colores son los que he utilizado en los prototipos de esta publicación:

 

   

 

¿Y existió una arquitectura cubista? ,no, no encontró gran aceptación, hay algunos ejemplos como la fábrica de Mendelsohn y algunas casas en la antigua Checoslovaquia,pero poco mas, el porqué: pues uno de los principales motivos fue que a pesar de sus teorías , los arquitectos cubistas solo consiguieron crear envoltorios para los edificios pero no lograron evolucionar el interior que siguió siendo muy convencional.

Fábrica de sombreros en Luckenwalde de Erich Mendelsohn  en 1921. «Mis dibujos no son más que apuntes, contornos de súbitas visiones que son importante fijar y detenerlas en el papel, porque cada nueva criatura lleva en sí el germen de su desarrollo potencial.” Erich Mendelsohn, 1917

 

Pd.: Cuando Mendelsohn presentó sus planos ante el Departamento Municipal de Edificación de Luckenwalde, un joven arquitecto - trabajaba allí- al verlos se presentó ante el y fue empleado de inmediato , trabajando codo con codo durante unos años hasta que en 1923 se trasladó a EE UU convirtiendose  mas tarde en uno de los arquitectos mas importantes del llamado Movimiento Moderno. Este joven arquitecto se llamaba Richard Neutra , hablaremos de el mas adelante.   

Y por supuesto poesía , poesía cubista con este poema de Guillaume Apollinare:     

 

La poesía cubista inspirada en las obras de Picasso y Braque utiliza caligramas, poemas visuales , poemas para mirar , las palabras se colocan con el fin de crear una imagen que representa el objeto del que están hablando.

 Pd.: la definición de caligramas es la  disposición tipográfica forma imágenes que representan el tema y no es propio del cubismo ya se emplearon en la antigua Grecia, los verdaderos inventores .

 

 

 

 

Trascendiendo los Límites

ABAPORU, Tarsila do Amaral, 1928, óleo sobre tela, 85x73cm, colección Malba, Museo Latinoamericano, Buenos Aires, Argentina

 “Quiero ser la pintora de mi país,” escribió Tarsila do Amaral en una carta a su familia en 1923. Tarsila -como es popularmente conocida en Brasil, nacida  en 1898, comenzó desde muy joven su exploración artística en escultura, dibujo y piano; Esta educación la pudo recibir gracias a pertenecer a la burguesía brasileña de finales del XIX que estaba muy influenciada por la cultura francesa, así aprendió francés y pudo pasar temporadas en Europa , primero por Barcelona, donde estuvo interna en el colegio Sagrado - Corazón y  mas tarde ,se trasladó a París, en la capital  francesa tuvo la oportunidad de acercarse a las nuevas tendencias artísticas , sobre todo al cubismo y futurismo.

De vuelta a Brasil en 1922 y siguiendo la estela de las Vanguardias europeas que habían desarrollado un tremendo interés por las culturas primitivas como fuente de inspiración ( Un buen ejemplo es el cubista Picasso con su cuadro "Las señoritas de Aviñón"), se centró en estudiar la infinidad de culturas indígenas , Tarsila aprovechó este contexto y lo convirtió en "su mina de oro": es característico de esta época su cuadro Abaporu (en la imagen superior) que lo pintó como regalo de cumpleaños para el escritor  Oswald de Andrade ( su marido en esa época. Este cuadro, es en estos momentos  la pintura brasileña mas valorada aunque se encuentra expuesta en Argentina). Tarsila a lo largo de su carrera realizó mas de doscientos cuadros, cientos de dibujos, grabados,murales y lo mas importante: metió el arte moderno en America Latina. Tarsila falleció en Sao Paulo en 1973 

  pd.: El cráter Amaral del planeta Mercurio se llama así por ella.  

Los prototipos de gargantillas que presento en esta publicación intentan reflejar mi visión sobre un principio de los Movimientos de Vanguardia: la revalorización de la Artesanía elevándola  a la categoría de Arte Mayor , con estas gargantillas diseñadas en formas esquemáticas y tratadas con colores planos busco una simplificación formal propia de las culturas primitivas y a la vez de los movimientos de vanguardias del siglo XX:

 

PGR20260113: prototipo para gargantilla con colgante compuesto por piezas cerámicas lacadas y montadas sobre alambre

 

 

PGR20260118: prototipo para gargantilla con colgante compuesto por una pieza cerámica y una caracola marina

PGR20260115: prototipo para gargantilla con colgante de miga de pan lacado

  Y por supuesto poesía:

ALERTA

Allá viene el lanzallamas

Agarra el garrafón de gasolina

Dispara 

Pretenden matar todo amor

Corromper el polo 

Detener la sed que tango de otro ser

Vente por el flanco, a un lado ,

Por encima, por atrás

Dispara

Dispara

Dispara

Resiste

Defiende

De pie

De pie

De pie

El futuro será de toda la Humanidad.

de  Oswald de Andrade 

José Oswald de Sousa Andrade, conocido como Oswald de Andrade fue uno de los autores mas importantes del modernismo brasileño en literatura y el marido de Tarsila en el momento de pintar el famoso cuadro. La composición de un hombre, un sol  y un cactus le sirvió de inspiración a la ahora de escribir el Manifiesto Antropofágico - Este Manifiesto, realmente es un ensayo literario en el que propone "canibalizar" a las culturas europeas para que predomine las indígenas propias de Brasil-  que dará lugar a otro manifiesto mas importante en el mundo literario el Manifiesto Pau-Brasil , creado para difundir la poesía brasileña-.

pd.: La tercera mujer de  Oswald de Andrade, Pagu también escritora, fue la introductora de las semillas de soja en Brasil, traídas de un viaje a China ! y resulta que ahora, este país es el primer productor y  el principal proveedor de China!

 

 

Difuminar los Límites

Bocetos par el mural del café 'Aubette' firmados por Sophie Taeuber

Difuminar los límites entre lo útil y lo artístico era lo que pretendía Sophie Taeuber : Cuando la conocí ya dividía la superficies de sus lienzos y acuarelas en cuadrados y rectángulos que yuxtaponía horizontal y perpendicularmente. Construía sus pinturas como obras de albañilería» explicó Arp años después. La obra de Taeuber está marcada por la geometría y el ritmo, pero su principal objetivo era integrar el arte abstracto en la vida cotidiana, diseñó muebles, tapices, tejidos, marionetas y hasta su casa-taller,  0bservando las fachadas , de ésta, se aprecia que  los vacíos de los huecos los organizó como signos dentro de una pintura abstracta,  a mi me recuerda este edificio a los inicios de la obra de Le Corbusier, hay que tener en cuenta que  se movían por los mismos círculos artísticos y se puede pensar que Sophie fue fuente de inspiración formal para sus primeras obras. ¿Hay una similitud con el taller Ozenfant que proyectó en Paris?,¿ que opináis?.

Ya he mencionado a Taeuber y a Arp en otra entrada , adjunto el enlace:

https://aespirales.blogspot.com/2020/09/ovales-fluidas.html 

  Difuminar los límites entre lo útil y lo artístico,  esto es lo que intento reflejar con estos prototipos ,cada  pieza pretende crear transiciones suaves con la mezcla de colores que ayuda a lograr una comunión entre el elemento artístico  que se origina y el uso como objeto para lucir y contemplar visualmente.

PGR26011401- prototipo para gargantilla con colgante de concha marina lacada montada sobre alambre

 

  

PGR26011402- prototipo para gargantilla con colgante de concha marina lacada montada sobre cordón

PGR26011403- prototipo para gargantilla con colgante de concha marina lacada montada sobre cadena

 

  Y poesía dadaísta con Francis Picabia:

Hilandera

Es preciso asir el tiempo por los cabellos

Aparejar las hélices subconscientes

En el espacio del secreto.

Es preciso acariciar lo probable

Y creer en la imposibilidad

De los caminos que se cruzan.

Es preciso aprender a sopesar

Diez gramos de blanco, cinco gramos de negro,

En espera escarlata.

Es preciso saber caer desde abajo

Para favorecer el cenit

De los días privilegiados.

Es necesario amar las cuatro bocas

Que flotan alrededor de la sedosa duda

De los príncipes muertos.

 

 Francis-Marie Martinez Picabia aunque nació en París en 1879 descendía de una familia cubana procedente de Galicia (de ahí el apellido Martínez). Francis Picabia -como firmaba-.Pertenecía a una familia acomodada lo que le permitió poder dedicarse toda su vida al Arte - como "simple" vocación-, fue pintor, pero colaboraba con revistas dadaístas como Revista 391 ( Se publicó entre 1917 y 1924 en Barcelona, Nueva York, Zürich y París)