El sello de identidad

 

 

 

 

 

 

 

Para llegar a una solución válida en arquitectura hay que pasar por un proceso de diseño recogido en tres fases: primero el croquis, segundo el dibujo delineado y tercero la representación en 3D. Yo, para mis piezas sigo este esquema: primero  hago un boceto, después lo meto en medidas y tercero realizo un prototipo. Y aquí la pregunta, ¿hace falta saber dibujar para diseñar?.

Antes de presentar mis nuevas piezas voy a escribir sobre una mujer que no sabía dibujar y llegó a ser la primera en ocupar un puesto de Directora de la sección de diseño en joyería. Estoy refiriéndome a Jeanne Toussaint ¿ habíais oído hablar de ella? ¿Y si os digo que fue la diseñadora de los broches mas icónicos del siglo XX? , los broches "Panthére" y "Flamingo" que lució Wallis  Simpson, Duquesa de Windsor, tía política de Isabel II de Reino Unido.

broche "Panthére"

 

broche "Flamingo"

Jeanne Toussaint nació en 1887 al sur de Bélgica en la ciudad de Charleroi dentro de una familia relacionada con el encaje,con lo que la moda y las cosas hecha a mano. Al morir su padre y como su madre " acogió a su amante en casa", Jeanne se escapó a Bruselas convirtiéndose en la amante de un hombre mayor que ella,el Conde de Quinssons, pero a los tres años y debido " entre otros temas" a la presión de su familia, la  "abandonó" en París. Esta relación le sirvió  para introducirse en los círculos sociales-aristocráticos de la época, conoció a Coco Chanel ( como todo el mundo sabe diseñadora ), al ilustrador Gergoe Barbier (crador de míticos carteles de publicidad), a Charles Jacqueau ( arquitecto y diseñador de joyería)  y a Louis Cartier ( uno de los nietos del fundador de Cartier); Fueron todos ellos las que cambiaron su vida para siempre.

Louis Cartier quedó fascinado por Jeanne Toussaint y a final de 1913 la contrató para supervisar los accesorios que producía su empresa y así rápidamente consiguió ampliar el negocio tanto en Europa cómo en América. Comenzaron con bolsos, junto con clips para billetes, tubos para barras de labios,,,. Jeanne entendió rápidamente como diseñar una necesidad  que fuera elegante y atemporal . Este éxito llevó a Louis a nombrarla Directora de joyería  y en este momento, ella se empezó a identificar con la pantera que Barbier había diseñado para un cartel publicitario de la firma. Convirtíendose desde este momento  en la base para el desarrollo de la joyería en la Casa: el reloj de pulsera de 1914, los brazaletes , los broches, las gargantillas; Todas esta piezas poseían un efecto tridimensional que les hacía únicos ( sin olvidar la calidad de los materiales empleados: diamantes blancos,onix, esmeraldas...). 

Cuando se retiró en 1970, había conseguido que la pantera fuese en el símbolo reconocible  de la joyería  Cartier, al igual que  ahora.

Falleció ocho años mas tarde.

PD,: Aunque su relación con Louis Cartier comenzó como una relación laboral, desde el primer momento, Jeanne Toussaint fue el amor de su vida , - debido a sus "orígenes"- ,pero "su familia" le impidió casarse con ella. 

Volviendo a mis prototipos , presento una serie de broches dónde queda presente mi "Sello de identidad":

  

PBR01491:prototipo para broche en material recuperado ; cuero ,madera y gresite como base para apoyar las iniciales.

PBR01492:prototipo para broche en material recuperado ; cuero coloreado.

PBR01493:prototipo para broche en material recuperado ; papel ,cuero y cerámica.

PBR1494:prototipo par broche en material recuperado: cuero , cerámica y malla metálica

 

PBR01495:prototipo para broche en cuero recuperado

No me olvido de la poesía, también es parte de mi "Sello de identidad" y por ello vuelvo a Antonio Gamoneda, mi poeta preferido y con un poema escrito entre 1959 y 1960:

LA BELLEZA

nos proporciona dulces sueños; cunde

en el insomnio azul del hielo

y en la materia del relámpago.

En las cales vivas,en

láminas abrasadas,

gira sin descanso; su

perfección es el vértigo.

La belleza no es

un lugar donde van 

a parar los cobardes.

Viva en su luz

mis pensamientos. Quiero

morir en libertad.

En este poema incluido en "Sublevación inmóvil" ,aparece el debate entre el dolor y la muerte y que el arte es capaz de superarlos. Para Gamoneda, aquí, belleza y muerte aparecen juntas y su unidad justifica el poema .

 

 

Dos broches

   

Según la R.A.E.( Real Academia de la lengua Española) broche tiene tres afecciones; La 1ª: conjunto de dos piezas, una de las cuales engancha o encaja en la otra, la 2ª: joya que se lleva prendida en la ropa y la 3ª: remate de un acto público, de una reunión ,de una gestión, etc, especialmente si le proporciona un tono brillante o excepcional..

Empleo la 2ª para presentar estos prototipos de broches inspirados en una obra de Sonia Delaunay; Y así aprovecho para recordar un poco su vida.

PBR14801: prototipo para broche en cuero recuperado

 

 

PBR14802: prototipo para broche en cuero recuperado

   Sonia Delaunay nació en Ucrania, unos biógrafos dicen que en Odessa, otros en Kiev (entonces , Imperio Ruso), en el año 1885 y bajo el apellido Stern. Se crió en San Petesburgo con un tío coleccionista de arte que le brindó la oportunidad de aprender varios idiomas ( hablaba ruso, francés, alemán e ingles y también a lo largo de su vida portugués y español). Hacia 1905 se fue a vivir a París para estudiar pintura en una de las mejores academias de la época , La Pallete. En 1908 se casa con W. Uhde  - como tapadera para salvar la honorabilidad de este hombre - un marchante de arte que la introduce en el mundo artístico parisino, gracias a él,  conoce a Braque, Picasso y a Robert Delaunay con el que se casa- después de divorciarse - y adopta su apellido. Cuando nace su primer hijo en 1911 le confecciona una manta con formas  inspiradas en el cubismo ,- diseña objetos cotidianos para convertirlos en  obras únicas- consigue también  acercarse al arte  de esta manera.

Sigue trabajando con su marido y dentro de una nueva tendencia del Cubismo : el Orfismo ( corriente clave en el desarrollo de la abstracción pictórica) dónde conviven colores intensos y formas geométricas para producir cuadros cargados de ritmo y movimiento.

Cuando en 1914 estalla la 1ª Guerra Mundial el matrimonio Delaunay se encontraba en España y deciden quedarse , aunque mas tarde se trasaladarán a Portugal, donde pinta algunos de sus cuadros mas representativos; Pero debido a la Revolución Rusa se quedan sin sus ingresos y deciden volver a Madrid para abrir una tienda: "Casa Sonia", en la que vende telas, trajes y objetos diseñados por ella , teniendo un gran éxito, la llamaban la <<Reformadora del vestido>> , a la vez diseña vestuario para un ballet y para la representación en el Liceo  de Barcelona de la ópera Aida.

En 1920 vuelve a París, vuelve a abrir otra tienda: "Boutique Simultané", dónde cuenta con la colaboración de Coco Chanel. Pero siguió pintando.

Los años "30" del siglo XX,  ya los dedica por completo a la pintura colaborando con grupos muy cercanos a la abstracción, siendo uno de los miembros fundadores del salón " Realites Nouvelles" (espacio cuyo objetivo era promocionar el arte abstracto - allí expuso Carmen Herrera, pintora de la que hablaré en otra publicación - , exponiendo en varios lugares a lo largo de los años, desde el Museo de Arte Moderno, el Museo de Luxemburgo, el Gran Palais , el Espacio Eiffel-Brarly hasta el 2004 donde se asentaron en las salas del Parque Floral de París).

Sonia desde los años "50"  hasta su muerte en 1979, fue una figura muy influyente en el mundo del arte, con el tiempo su obra logró el reconocimiento internacional y en 1964 se convirtió en la primera mujer viva en tener una exposición monográfica en el Louvre de París.

PD.:En 1979, crea para la UNESCO el cartel del Año Internacional de la Mujer ( con el que abro la publicación).

Rematamos con poesía , el broche final?:

Se fuga la isla
Y la muchacha vuelve a escalar el viento
y a descubrir la muerte del pájaro profeta
Ahora
es el fuego sometido
Ahora
es la carne
la hoja
la piedra
perdidos en la fuente del tormento
como el navegante en el horror de la civilización
que purifica la caída de la noche
Ahora
la muchacha halla la máscara del infinito
y rompe el muro de la poesía.

 

                                                                                                    Salvación de Alejandra Pizarnik 

Salvación expresa el significado de la noche que según la poeta "es el momento en el que se purgan los demonios y se trastornan los perjuicios". 

Alejandra Pizarnik fue capaz de vivir entre el desconcierto y la incertidumbre sacando partido a todo ello, era capaz de aprovechar los chispazos, las descargas de tensión para crear, para escribir: "escribir un poema es reparar la herida,, la desgarradura, porque todos estamos heridos".

Nació en Avellaneda en 1936, hija de judíos ucranianos. Su infancia fue dura, era una niña con sobrepeso. con asma, tartamudez y todo ello aumentado por la existencia de una hermana mayor "perfecta"; Sin olvidar la sombra de " pesares" familiares por los acontecimientos que se estaban desarrollando ( la Guerra Mundial, los parientes masacrados en Rusia).

Con 15 años empieza  a escribir, supone el inicio del descubrimiento de Baudelaire, de Rilke, del surrealismo y la adicción a las anfetaminas que le duraría toda su vida.

Estudia Filosofía en la Universidad de Buenos Aires, pasa al periodismo y a la pintura recibiendo clases del surrealista Juan Batlle Planas ( pintor nacido en Girona  y emigrado con dos años a Argentina , siendo mas tarde  una de las  personalidades influyentes en el  mundo artístico argentino de la época) .

Viaja a París en 1960 estudia en la Sorbona , sobrevive escribiendo artículos y realizando traducciones. Cuatro años mas tarde regresa a la Argentina para convertirse en una poeta madura- y con grandes crisis depresivas-.

Su devoción literaria le lleva al extremo de dormir rodeada de tarjetas rellenas de verbos, adjetivos , sinónimos, ....

En 1969 le conceden la beca Guggenheim, al año siguiente la Fullbright, ninguna  remató.

Se suicida en 1972 ingiriendo pastillas mientras pasaba un fin de semana fuera de la clínica donde estaba internada.

PD.: cuentan en una biografía que esos días antes de su muerte se encontró con una amiga a la  que le pidió un libro: Niebla de Miguel de Unamuno, su última lectura.

Ilusiones ópticas?

 

   He aprovechado la ilusión óptica para "hacer trampa", para dar a estos prototipos- que vais a ver- un aspecto de profundidad que no existe ,ya que son planos, no tienen volumen. Nuestro cerebro los considera estructuras en tres dimensiones a partir de las imágenes en dos dimensiones, son ilusiones óptico-geométricas.

  Estas piezas no se han diseñado buscando  la belleza de las formas, si no la sorpresa  que produce el engaño visual, la ilusión óptica.; Cómo en el cubo de Necker de la imagen con la que arranco la publicación (es una figura reversible, cada una de las caras puede verse en primer plano): observad. 

PGR14701:prototipo para gargantilla conformado por piezas en papel lacadas y montadas sobre material metálico recuperado.

  

PGR14701

anverso del prototipo para gargantilla PGR14701

PGR14702:prototipo para gargantilla conformado por piezas en papel lacadas y montadas sobre material metálico recuperado.

PGR14703:prototipo para gargantilla conformado por piezas en papel lacadas y montadas sobre material metálico recuperado.

 Y, las ilusiones ópticas me llevan al OP ART (abreviatura de <<arte óptico>>) movimiento artístico bautizado por la revista TIME MAGAZINE en el año 1964 ,que se desarrolla como una variante del arte abstracto. Está inspirado en el Puntillísmo de Seurat :

y  en el Orfísmo  - toma el nombre de Orfeo ( personaje de la mitología griega que representa la conjunción de la música y la poesía) pero realmente es una especie de cubismo caracterizado por la exaltación de color y la luz-,como la obra de Sonia Delaunay ( por cierto esta artista ucraniana abrió una tienda de ropa y complementos en Madrid hacia los años 20 del siglo pasado,leed su biografía, es interesantísima):

 

Aprovechando determinados efectos ópticos, mejor dicho, "desconciertos ópticos", hay una serie de pintores en los años 60 del siglo pasado, que consiguieron con su obra obligarnos a forzar el ojo para asimilar dos percepciones contradictorias: cóncavo/convexo, positivo/negativo, todo ello, por medio del desarrollo de un gran control del dibujo geométrico llegando así hacia una profundidad y vibración en las superficies planas de sus cuadros; Observar esta obra de Bridget Riley:

esto es OP ART, esto es una provocación del ojo, esto es  una ilusión óptica.

Ahora un poco de poesía de la gallega  Marica Campo dedicado a otra poeta  argentina: Alejandra Pizarnik ( otra biografía interesantísima y al igual que Delaunay de origen ucraniano y al igual que ella formada como pintora):

A que ama o vento morre, non hai teito

na casa das palabras, rompe o pranto,

florece no silencio, faise canto,

donas vermellas soas polo peito.

Procura da inocencia , do dereito

a seguir desfollando a flor, en tanto

unha outra que é ela tece o manto

para ocultarse a si no cadaleito.

Ela é unha , ela é dúas, ela é medo,

un xardín prohibido na pupila,

ju

un insomnio poboado dende cedo

por unha estrela morta que escintila,

milleiros de anos luz o seu segredo.

Ela é o espello que arde e mais a lila.

Escrito en gallego y no he encontrado una traducción al castellano, pero merece la pena leerlo así, por toda la lírica que desprende este idioma.

P.D.: Tanto Sonia Delaunay como Alejandra Pizarnik se merecen una publicación dedicada a sus obras. En ello estoy trabajando.

con ELIPSES

 

 

 

 

Las formas como la elipse son elementos básicos y visuales en la elaboración y creación de cualquier imagen . La elipse es una figura geométrica estudiada desde la época de los griegos y ha sido útil en la astronomía -para explicar la trayectorias de planetas-, en la arquitectura -para diseñar espacios con características acústicas excepcionales- , en la pintura abstracta -para representar la "contraimagen" de la naturaleza, y  en algunos pintores como Mondrian  que ha utilizado elipses para <cerrar> sus líneas horizontales y verticales en varios cuadros. Esta misma figura, la elipse, es utilizada por mí para limitar  y dar forma a las piezas que componen estos prototipos.  

 

 202305 prototipo para anillo realizado con alambre y papel.

 202301 prototipo para gargantilla realizado en papel.

 202303 prototipo  para colgante realizado en papel.

 202302 prototipo para gargantilla realizado en papel.

   Y cierro esta publicación con la poesía de María Teresa León Goyri, escritora prolífica que sin embargo no ha conseguido el renombre de otros autores de su misma generación - La Generación del 27-. María Teresa fundó revistas, publicó artículos, ( los primeros bajo el seudónimo de Isabel Inghirami, la heroína de D´Annuncio) publicó novelas, escribió guiones cinematográficos, habló por la radio, tradujo textos, supervisó el traslado -improvisado por falta de la ayuda solicitada a los museos europeos- de obras de arte del Prado, del Escorial , de Toledo; Pero hasta ella misma se veía como " cola de cometa" de Rafael Alberti ,con quien se casó.   

   MELANCOLÍA:

......................................................

El mundo en su extensión yace bajo la escarcha,

que reviste de un velo de luz pueblos y campos;

el aire centellea y albos como la cal

brillan los edificios, las ruinas solitarias.

..................................................

Cuando pienso en mi vida, la veo que resbala

lentamente contada por labios extranjeros,

como si no fue mía, como si no he existido.

.......................................................................

 

El prolongado exilio le dejó grandes secuelas que se ven reflejadas en sus trabajos de esa época  y aunque consiguió volver a España ya estaba enferma de alzheimer y no pudo disfrutar el regreso.

 

Geometrías Inusuales

 

 Geometrías inusuales,  como las de Mary Heilmann 

Heilmann , pintora americana -San Francisco, Estados Unidos- nacida en 1940 y con cinco décadas de carrera a sus espaldas, es conocida por su enfoque minimalista basado en  la experimentación con colores brillantes, con goteos, con trabajos por  planos, con composiciones geómetricas inusuales.

Si observas alguno de sus cuadros, puede darte la sensación de estar ante pinturas incompletas o inacabadas, y esa es su "idea", obras intencionadamente incómodas a la vista , obras "pensadas" para rechazar la exhibición de habilidades pictóricas y así descubrir la belleza de las composiciones sin más pretensiones.

"Lo que busco en mi trabajo es que tenga sentido del tiempo y del lugar": de MARY HEILMANN

Lo que busco en mi trabajo es..........?:

Un pequeño apunte sobre M. Heilmann, para ella, la moda y sus tendencias fueron muy importantes en sus comienzos ,  se vestía de una manera muy especial ,prestaba atención a la publicidad de cosméticos , ......., lo cual tenía mucho que ver con su creatividad: dos de sus pinturas se inspiraron en anuncios de la barra de labios Revlon - en los años 50 del siglo pasado- y en el del esmalte de uñas Fire & Ice -de la misma época-. 

Y de Mary Heilmann pasamos a Marilar Aleixandre- Maria Pilar Jiménez Aleixandre-, de una pintora que estudió Literatura  en  la Universidad de California Sta Barbara, a una escritora y traductora que estudió biología en la Universidad Complutense Madrid .

Un pequeño apunte sobre M. Aleixandre,que aunque nació y se formó en Madrid, desarrolló su carrera docente en Vigo-"dónde las mimosas florecen en diciembre"-, comenzando aquí a escribir en gallego, participando en publicaciones colectivas y en las actividades del " O Batallón literario da Costa da Morte".

El poema con el que cerramos , como siempre la publicación , se titula hoy : De abecedario das arbores , y está escrito en gallego como casi toda su poesía.

                 O CE

                  ollo coas acacias

                  con C de coitelo

                  compás de catro por catro

                  acorde de rock

                  máscaras de entroido

                  esconden o gume das rúas follas

                 nun estoupido de lámparas amarelas

                 unha acacia ou mimosa nun entroido

                hai anos

                partiume a lingua en dous

                .........................................

Leed poesía,leed.

 

 

Indolente Geometría

 

                5,4,3,2 y 1

Comenzamos de nuevo,5,4,3,2,1:

hay que romper este estado y nada mejor para ello que estos prototipos de colgantes cerámicos, comenzamos:

Presenteamos formas con actitud apática - ante las geométricamente puras- que se convierten en piezas fluidas, piezas "indolentes" pensadas para ser llevadas en cualquier momento independientemente de su tamaño.

Volvemos con prototipos que giran entorno a las formas cuyo objeto consiste en  vincular  la usabilidad con  la geometría, pero con actitud apática ante ella.

5,4,3,2,1, comenzamos:

5: prototipo para colgante cerámico con 5 piezas

 

4: prototipo para colgante cerámico con 4 piezas

3: prototipo para colgante cerámico con 3 piezas

 

2: prototipo para colgante cerámico con 2 piezas

1: prototipo para colgante cerámico con 1 pieza

 

Y por supuesto poesía, hoy ,Mariluz Escribano: 

".........

El recuerdo camina con sus pasos de lino

por la laguna inmensa de sus puras pupilas,

y como el mar regresa,

con vocación de ola,

a posarse en la densa penumbra

de los sueños.

 

Y es así que esta tarde,

Cuando me miro y siento los puñales del tiempo

Con esquinas de múltiples alfileres de agua

Que me cosen la boca con heridas pequeñas

Con sosiegos, silencios

Y soledades claras.

"........ 

                           Desde un mar de silencio.

 Maruluz Escribano: Poeta "parentesis" entre la Generación del 50 y los Novísimos; Cuyo propósito era alejarse de la poesía social precedente para acercarse a un lirismo interior con fuerte inspiración personal, ( supongo que esto, es la consecuencia de la tardanza en publicar su poesía).

He roto el silencio con esta nueva publicación!!!!!, Leed poesía.

Es verdad:

 

 

 

 

 

Es verdad: uno de los cánones para definir "lo bello" es la simetría, ese equilibrio estético que produce placer en quíen lo contempla. Pero , las reglas están para saltárselas, y un ejemplo son estos prototipos , en los que no se aprecia para nada ni de lejos  la simetría. 

 

PBR15001: prototipo para broche  formado por un conjunto de arandelas de goma y hojas cuya composición pretende mostrar únicamente una reflexión sobre objeto y función

BR15002: prototipo para broche  formado por una hoja que refleja con su tratamiento una composición donde la asimetría quiere estar presente.

PBR15003: prototipo para broche  formado por un conjunto de arandelas de goma y hojas dónde el color, incluido en las mismas, busca reflejar el final del inviero y el comienzo de la primavera.

PBR15015: prototipo para broche  formado por un conjunto de arandelas de goma y palos de naranjo.

PBR15016: prototipo para broche  formado por un conjunto de materiales encontrados .

 

Replanteo de los prototipos sobre una prenda.

   ¿Pero la simetría se aplica a todo orden en la vida? . Yo creo que si, un ejemplo: La simetría es rechazada por la arquitectura llamada "moderna" , sin ir mas lejos Mies van der Rohe se declaraba un enemigo de ella - creo que en parte este rechazo le venía por los prejuicios que la emparentaban con la arquitectura academicista del siglo XIX- pero sólo hay que ver las plantas de sus edificios, ¿ no hay simetría en la disposición de los pilares en el Pabellón de Alemania para la exposición del 29 en Barcelona?  y ¿quién no se ha fijado en la vetas del muro de ónice de este edifico?. Ahí está la simetría y el placer de contemplarla, nada más.

Es verdad: la vida sin poesía no es nada, la poesía como el arte hacen que la vida sea más completa, por lo menos, así lo creo yo.

Finalizamos como siempre , hoy con un existencialista: José Hierro. otro poeta enmarcado en la Generación del 50, con una poesía  que busca un lenguaje personal, en un tono cálido y cordial .

 Después de todo, todo ha sido nada,
a pesar de que un día lo fue todo.
Después de nada, o después de todo
supe que todo no era más que nada.

Grito «¡Todo!», y el eco dice «¡Nada!».
Grito «¡Nada!», y el eco dice «¡Todo!».
Ahora sé que la nada lo era todo,
y todo era ceniza de la nada.

No queda nada de lo que fue nada.
(Era ilusión lo que creía todo
y que, en definitiva, era la nada).

Qué más da que la nada fuera nada
si más nada será, después de todo,
después de tanto todo para nada.

                                                              soneto VIDA, epílogo de "Cuaderno en Nueva York"

el RESULTADO

 

 

Estimado/a Sr/Sra:

Nos complace comunicarle que en la siguiente lectura que realizará en el día de hoy hemos incluido una serie de prototipos que consideramos serán de su agrado.

No obstante ha de saber que esta prueba no es concluyente y debería seguir prestando atención al resto de publicaciones.

Le agradecemos su participación y reciba un cordial saludo.

                                                                                                              AespiraLes.

 

PGR15001:prototipo para gargantilla elaborado a partir de materiales encontrados ( juntas de goma para fontanería y palos de naranjo).Otorgando así una nueva lógica a los objetos

PGR10502: prototipo para gargantilla realizado con juntas de goma utilizadas en fontanería , hojas recogidas y empleando  tela para su cierre . Ejemplo de "hecho a mano"

PCL15001: prototipo para colgante formado por un conjunto de arandelas de goma y hojas cuya composición pretende únicamente una reflexión sobre objeto y función.

Y finalizamos.

 Finalizamos como siempre, con poesía:

SÉ QUE el único canto,

el único digno de los cantos antiguos,

la única poesía,

es la que calla y aún ama este mundo,

esta soledad que enloquece y despoja.

                                                 Exentos I : Antonio Gamoneda

Poesía para la reflexión. Poesía de mi poeta preferido. Lea poesía

Inspiración Bauhaus

 

"El arte no puede enseñarse" Walter Gropius, arquitecto.

Esta cita del que fue primer Director de la Bauhaus es un poco paradójica porque Gropius estuvo al frente de la escuela  en la que confluyeron las principales vanguardias artísticas y arquitectónicas del momento y cuya influencia llega hasta la actualidad, en parte gracias a la selección de personal docente que él mismo realizó.

Si el arte no puede enseñarse, por lo menos puede ser fuente de inspiración y estímulo para la creación.

Inspirándome en la obra de tres profesores de la Bauhaus,  he realizado estos minitapices con retales de fieltro de tamaño 12x12 cms.

TAPIZ MONDRIAN

 

Tapiz Mondrian1

Piet Mondrian (1872-1944) fue fundador de la revista De STijl y del neoplasticismo junto con Theo Van Doesburg.

Su pintura esta basada, desde un enfoque muy espiritual, en la relación entre la línea y el color. Utiliza colores primarios y tonos blancos, grises y negros.

"Composición en rojo, amarillo y azul". P. Mondrian

TAPIZ THEO

Tapiz Theo1

Theo Van Doesburg (1883-1931) era neoplasticista como Mondrian hasta que en 1925 rompieron la relación por "atreverse" a realizar líneas oblicuas en sus composiciones.

Theo era arquitecto y pensaba que el arte debería ser una experiencia espacial y ambiental.

Esta teoría la aplicó en 1928 en el Café L´Aubette (Estrasburgo), cuyos interiores radicales no fueron bien recibidos por los clientes de la época.

Tomó como módulo de composición la medida 120x120 cms. definida por la altura de los radiadores y utilizando la gama de colores neoplásticos.

Café Aubette. Theo van Doesburg

Café Aubette. Theo van Doesburg

TAPICES ALBERS

Tapiz Albers1

Tapiz Albers2

Josef Albers (1888-1976) dedicó su vida al estudio del color y los misterios de su interacción, realizando infinitas series combinatorias. Utilizaba un estilo geométrico que era el soporte ideal para investigar acerca del espacio y el color.

Para poner en práctica sus investigaciones llegó a realizar  en la década de los años 50,  cuando ya se había trasladado a vivir a EEUU, mas de 1000 pinturas de la serie "Homenaje al cuadrado" y publicó libros y artículos donde expuso sus teorías al respecto.

Sin embargo, la inspiración de estos tapices es de la obra de su época en la Bauhaus, en torno a 1925-1928, cuando pintaba sobre vidrio arenado. Un estilo que volvió a recuperar al final de su trayectoria profesional con el mural "Manhattan" situado en el vestíbulo del MetLife Building de Nueva York.

Pillars. Josef Albers

"Manhattan". Josef Albers

Josef Albers se dedicó a la docencia artística también en EEUU, en el Black Mountain College y en la Universidad de Yale y hablaba de la importancia de educar a los alumnos en una visión artística de la vida más allá de un conocimiento exhaustivo de la historia del arte.

"La escuela debe dejar aprender mucho, es decir, enseñar poco". Josef Albers, artista.