Las FORMAS

 

 

 

La forma geométrica es la que mejor puede ser comprendida, sus elementos básicos son : círculo,  cuadrado y triangulo. El germen de toda forma posible se encuentra en estos elementos, si nos fijamos detenidamente en todas las formas orgánicas que hay en la naturaleza  todas se pueden asimilar a estos elementos geométricos, sólo  hay que hacer un ejercicio de  observación y análisis ( los formados en arquitectura en los años 80  sabemos de que va , ya que cursamos una asignatura llamada Análisis de Formas).

¿Encontráis los cuadrados , los triángulos y los círculos en estos prototipos para pendientes realizados con hojas naturales?: 

PPN0701: pendiente con hoja de camelia

PPN0702: pendiente con hoja de olmo

PPN0704: pendientes con hojas de hiedra

PPN0705: pendientes con hojas de camelia

PPN0706: pendientes con hojas de laurel

Esta introducción me ha llevado a la Staatliche Bauhaus ,-- ya sabeis, la Escuela de arquitectura, diseño, artesanía y arte fundada en 1919 por Gropius en Weimar (Alemania) -- donde arte y oficio se conjugaban perfectamente, para diseñar había que conocer el oficio y esto me lleva a hablar un poco de una mujer vinculada a esta Escuela: Frield Dicker.

 Frield Dicker fue una de las mas brillantes alumnas que pasaron por la Bauhaus y a su vez una de las que tuvo un final mas trágico. Dicker nació en Viena en 1888, Después de graduarse en un curso de fotografía y tecnología de reproducción en el Instituto de Investigación de Artes Gráficas de Viena , pasó por la escuela privada de arte de Johannes Itten  al que siguió a la Bauhaus, dejando mas tarde esta Escuela sin haber terminado los estudios y sin conseguir  ningún título. Pero esto no le impidió trabajar en campos como la arquitectura , el diseño de mobiliario y la pedagogía.  Fundó un estudio de Arquitectura con Franz Singer, participando en proyectos como el Pabellón de Invitados para la Condesa Herriot (1932-1934) una de sus mejores obras-- y desgraciadamente desaparecida--,el eje del proyecto era un ascensor transparente circular envuelto en vidrios también circulares que en aquella época sólo se fabricaban en Alemania, todo un hito para la época.

Pabellón Condesa Herriot

   Otra de sus obras  también destruida fue el Pabellón para el Club de Tenis. de Viena

Pabellón Club de Tenis

 Al separarse de Signer le fue imposible conseguir proyectos arquitectónicos , por lo que se dedicó al diseño de muebles, a la pintura , a la artesanía , al diseño de tejidos, todos los trabajos relacionados con los conocimientos adquiridos en la Bauhaus.

Durante la Segunda Guerra Mundial fue deportada al gueto de Theresienstadt dónde enseñó a los niños a dibujar ( Consiguió salvar dos maletas llenas de dibujos de estos niños que están depositados en el Museo de la Historia Judía) . En 1944 la trasladaron  a Auschwitz muriendo al poco tiempo a la edad de 44 años.

Otra víctima de la II Guerra Mundial es el polifacético Josef Capek -- Fue el inventor de la palabra robot a partir de la palabra checa "robota" que significa trabajo obligatorio o forzado, aunque la empleó por primera vez su hermano Karel en una obra de teatro de ciencia ficción en 1920 titulada R.U.R. : Rossum Universal Robots)--. Poeta y pintor, aunque mas conocido por su segunda actividad  dentro del  del movimiento Cubista , yo hago mención a su faceta de poeta para cerrar , como siempre, la publicación con poesía:

Momentos difíciles, días difíciles
No hay elección, decisión,
los últimos días oscuros,
Son días de vida o muerte?
Vuelve a la vida o a problemas de muerte
Qué será al final del viaje?
Miles de personas se van, no estás sola...
Lo tendrás, no tendrás suerte?
Sorto es el día del gran viaje
- Has estado preparándote durante mucho tiempo:
Masas de vida o muerte
- Así que vete a casa.

Este poema lo escribió durante "su estancia obligada" desde el campo de concentración de Bergen-Belsen en 1945 donde murió poco antes de que el campo fuera liberado. El poema  fue publicado póstumamente en 1946. ¿Cómo se puede escribir poesía cuando sólo estas rodeado de muerte y miseria?.

Dos sistemas de cierre

 

 

Copyright:CarmenDíazCalvo

 

 

 

 

 

 Botones y cremalleras: ¿Únicamente sistemas de cierre?, para mí no, los considero materiales de trabajo con los que  busco una intención artística entre ellos y el "slow design" o mejor dicho el" diseño lento". Esto no significa que el prototipo resultante esté  unicamente relacionado con el tiempo invertido, se trata de disfrutar del proceso de creación y de ejecución.

Botones para estos prototipos de colgantes montados con alambre y desarrollando formas orgánicas:

 

Un inciso para  ver a qué aludimos con" Slow Design": nos referimos  a una rama movimiento slow -- que comenzó en la década de los 80 del siglo pasado aunque se acuñó este término en el  2002, gracias a Alastair Faud-Luke profesor de diseño de la Universidad Aalto ( Finlandia)-- ,cuyo objetivo es promover el bienestar de las personas, de la sociedad en su conjunto y del medio ambiente a largo plazo, diseñando   de una manera cuidadosa y responsable. Diseñar siempre   con la intención de dar vida a un producto cuyo  fin sea  la creación de un beneficio al usuario: el objeto resultante tiene la obligación de aportar un bienestar.

Botones y cremalleras: ¿Sabías que los primeros botones que conocemos  eran conchas perforadas y se empleaban como accesorios y hubo que esperar hasta el siglo XIX para que pasaran a la función actual , la de cerrar prendas?. ¿ Sabías que a pesar de inventarse la cremallera en 1893 hasta los años 30 del siglo XX no se incorpora "a la vista" en la ropa? y ¿ sabías que  la primera diseñadora en introducirla en sus colecciones fue Elsa Schiaparelli en 1938 con el vestido Skeleton, pasando así de ser un sistema de cierre a un oto de diseño?

Cremalleras y poesía: ¿Sabías que Simon Porte Jacquemus considera " la moda como poesía", declaraciones suyas en una entrevista realizada en el 2016 durante el desfile de aquel año :" Vendo poesía porque la moda también es un negocio"- Otro inciso, cuando puso en marcha  su firma JACQUEMUS   con su colección  "Valeríe" en el 2016, una de sus primeras piezas fue una falda de cintura alta sin botones pero con una cremallera al lado porque los botones eran muy caros, así expresó el minimalísmo- fruto de una necesidad por falta de presupuesto- que reflejó en sus prendas. 

 

Y  poesía para cerrar :

Al ras de batiente nata blindada
de piedra ideal. Pues apenas
acerco el 1 al 1 para no caer.

Ese hombre mostachoso. Sol,
herrada su única rueda, quinta y perfecta,
y desde ella para arriba.
Bulla de botones de bragueta,
libres,
bulla que reprende A vertical subordinada.
El desagüe jurídico. La chirota grata.

Mas sufro. Allende sufro. Aquende sufro.

Y he aquí se me cae la baba, soy
una bella persona, cuando
el hombre guillermosecundario
puja y suda felicidad
a chorros, al dar lustre al calzado
de su pequeña de tres años.

.............................    

 nº XX del poemario Trilce del poeta peruano César Vallejo.

 Último inciso en esta publicación; quiero hablar un poco de este autor y esta obra. Trilce , fue escrito en 1922 cuando Vallejo tenía 20 años y estaba viviendo la muerte prematura de su madre, un fracaso amoroso, el despido del colegio dónde trabajaba como profesor y una estancia en la cárcel acusado de  agitador , todos estos acontecimientos le marcaron un profundo sentimiento de exclusión social que reflejó en este poemario.Trilce, está considerada como la obra mas radical de la Vanguardia poética del siglo XX en legua española. Trilce es la unión de dos palabras, triste y dulce y no era el título original , se publicó como Cráneos de bronce y bajo el seudónimo de César Perú, pero sus conocidos lo convencieron para que lo cambiara y lo firmara. Trilce permaneció en el olvido hasta que en 1930 fue publicado en España  con prólogo de José Begamín ( hermano del arquitecto Rafael Bergamín , autor de la Colonia de El Viso en Madrid que junto con la Residencia Fundación del Amo ,son sus obras mas conocidas).     

 

 

 

.

El sello de identidad

 

 

 

 

 

 

 

Para llegar a una solución válida en arquitectura hay que pasar por un proceso de diseño recogido en tres fases: primero el croquis, segundo el dibujo delineado y tercero la representación en 3D. Yo, para mis piezas sigo este esquema: primero  hago un boceto, después lo meto en medidas y tercero realizo un prototipo. Y aquí la pregunta, ¿hace falta saber dibujar para diseñar?.

Antes de presentar mis nuevas piezas voy a escribir sobre una mujer que no sabía dibujar y llegó a ser la primera en ocupar un puesto de Directora de la sección de diseño en joyería. Estoy refiriéndome a Jeanne Toussaint ¿ habíais oído hablar de ella? ¿Y si os digo que fue la diseñadora de los broches mas icónicos del siglo XX? , los broches "Panthére" y "Flamingo" que lució Wallis  Simpson, Duquesa de Windsor, tía política de Isabel II de Reino Unido.

broche "Panthére"

 

broche "Flamingo"

Jeanne Toussaint nació en 1887 al sur de Bélgica en la ciudad de Charleroi dentro de una familia relacionada con el encaje,con lo que la moda y las cosas hecha a mano. Al morir su padre y como su madre " acogió a su amante en casa", Jeanne se escapó a Bruselas convirtiéndose en la amante de un hombre mayor que ella,el Conde de Quinssons, pero a los tres años y debido " entre otros temas" a la presión de su familia, la  "abandonó" en París. Esta relación le sirvió  para introducirse en los círculos sociales-aristocráticos de la época, conoció a Coco Chanel ( como todo el mundo sabe diseñadora ), al ilustrador Gergoe Barbier (crador de míticos carteles de publicidad), a Charles Jacqueau ( arquitecto y diseñador de joyería)  y a Louis Cartier ( uno de los nietos del fundador de Cartier); Fueron todos ellos las que cambiaron su vida para siempre.

Louis Cartier quedó fascinado por Jeanne Toussaint y a final de 1913 la contrató para supervisar los accesorios que producía su empresa y así rápidamente consiguió ampliar el negocio tanto en Europa cómo en América. Comenzaron con bolsos, junto con clips para billetes, tubos para barras de labios,,,. Jeanne entendió rápidamente como diseñar una necesidad  que fuera elegante y atemporal . Este éxito llevó a Louis a nombrarla Directora de joyería  y en este momento, ella se empezó a identificar con la pantera que Barbier había diseñado para un cartel publicitario de la firma. Convirtíendose desde este momento  en la base para el desarrollo de la joyería en la Casa: el reloj de pulsera de 1914, los brazaletes , los broches, las gargantillas; Todas esta piezas poseían un efecto tridimensional que les hacía únicos ( sin olvidar la calidad de los materiales empleados: diamantes blancos,onix, esmeraldas...). 

Cuando se retiró en 1970, había conseguido que la pantera fuese en el símbolo reconocible  de la joyería  Cartier, al igual que  ahora.

Falleció ocho años mas tarde.

PD,: Aunque su relación con Louis Cartier comenzó como una relación laboral, desde el primer momento, Jeanne Toussaint fue el amor de su vida , - debido a sus "orígenes"- ,pero "su familia" le impidió casarse con ella. 

Volviendo a mis prototipos , presento una serie de broches dónde queda presente mi "Sello de identidad":

  

PBR01491:prototipo para broche en material recuperado ; cuero ,madera y gresite como base para apoyar las iniciales.

PBR01492:prototipo para broche en material recuperado ; cuero coloreado.

PBR01493:prototipo para broche en material recuperado ; papel ,cuero y cerámica.

PBR1494:prototipo par broche en material recuperado: cuero , cerámica y malla metálica

 

PBR01495:prototipo para broche en cuero recuperado

No me olvido de la poesía, también es parte de mi "Sello de identidad" y por ello vuelvo a Antonio Gamoneda, mi poeta preferido y con un poema escrito entre 1959 y 1960:

LA BELLEZA

nos proporciona dulces sueños; cunde

en el insomnio azul del hielo

y en la materia del relámpago.

En las cales vivas,en

láminas abrasadas,

gira sin descanso; su

perfección es el vértigo.

La belleza no es

un lugar donde van 

a parar los cobardes.

Viva en su luz

mis pensamientos. Quiero

morir en libertad.

En este poema incluido en "Sublevación inmóvil" ,aparece el debate entre el dolor y la muerte y que el arte es capaz de superarlos. Para Gamoneda, aquí, belleza y muerte aparecen juntas y su unidad justifica el poema .

 

 

Dos broches

   

Según la R.A.E.( Real Academia de la lengua Española) broche tiene tres afecciones; La 1ª: conjunto de dos piezas, una de las cuales engancha o encaja en la otra, la 2ª: joya que se lleva prendida en la ropa y la 3ª: remate de un acto público, de una reunión ,de una gestión, etc, especialmente si le proporciona un tono brillante o excepcional..

Empleo la 2ª para presentar estos prototipos de broches inspirados en una obra de Sonia Delaunay; Y así aprovecho para recordar un poco su vida.

PBR14801: prototipo para broche en cuero recuperado

 

 

PBR14802: prototipo para broche en cuero recuperado

   Sonia Delaunay nació en Ucrania, unos biógrafos dicen que en Odessa, otros en Kiev (entonces , Imperio Ruso), en el año 1885 y bajo el apellido Stern. Se crió en San Petesburgo con un tío coleccionista de arte que le brindó la oportunidad de aprender varios idiomas ( hablaba ruso, francés, alemán e ingles y también a lo largo de su vida portugués y español). Hacia 1905 se fue a vivir a París para estudiar pintura en una de las mejores academias de la época , La Pallete. En 1908 se casa con W. Uhde  - como tapadera para salvar la honorabilidad de este hombre - un marchante de arte que la introduce en el mundo artístico parisino, gracias a él,  conoce a Braque, Picasso y a Robert Delaunay con el que se casa- después de divorciarse - y adopta su apellido. Cuando nace su primer hijo en 1911 le confecciona una manta con formas  inspiradas en el cubismo ,- diseña objetos cotidianos para convertirlos en  obras únicas- consigue también  acercarse al arte  de esta manera.

Sigue trabajando con su marido y dentro de una nueva tendencia del Cubismo : el Orfismo ( corriente clave en el desarrollo de la abstracción pictórica) dónde conviven colores intensos y formas geométricas para producir cuadros cargados de ritmo y movimiento.

Cuando en 1914 estalla la 1ª Guerra Mundial el matrimonio Delaunay se encontraba en España y deciden quedarse , aunque mas tarde se trasaladarán a Portugal, donde pinta algunos de sus cuadros mas representativos; Pero debido a la Revolución Rusa se quedan sin sus ingresos y deciden volver a Madrid para abrir una tienda: "Casa Sonia", en la que vende telas, trajes y objetos diseñados por ella , teniendo un gran éxito, la llamaban la <<Reformadora del vestido>> , a la vez diseña vestuario para un ballet y para la representación en el Liceo  de Barcelona de la ópera Aida.

En 1920 vuelve a París, vuelve a abrir otra tienda: "Boutique Simultané", dónde cuenta con la colaboración de Coco Chanel. Pero siguió pintando.

Los años "30" del siglo XX,  ya los dedica por completo a la pintura colaborando con grupos muy cercanos a la abstracción, siendo uno de los miembros fundadores del salón " Realites Nouvelles" (espacio cuyo objetivo era promocionar el arte abstracto - allí expuso Carmen Herrera, pintora de la que hablaré en otra publicación - , exponiendo en varios lugares a lo largo de los años, desde el Museo de Arte Moderno, el Museo de Luxemburgo, el Gran Palais , el Espacio Eiffel-Brarly hasta el 2004 donde se asentaron en las salas del Parque Floral de París).

Sonia desde los años "50"  hasta su muerte en 1979, fue una figura muy influyente en el mundo del arte, con el tiempo su obra logró el reconocimiento internacional y en 1964 se convirtió en la primera mujer viva en tener una exposición monográfica en el Louvre de París.

PD.:En 1979, crea para la UNESCO el cartel del Año Internacional de la Mujer ( con el que abro la publicación).

Rematamos con poesía , el broche final?:

Se fuga la isla
Y la muchacha vuelve a escalar el viento
y a descubrir la muerte del pájaro profeta
Ahora
es el fuego sometido
Ahora
es la carne
la hoja
la piedra
perdidos en la fuente del tormento
como el navegante en el horror de la civilización
que purifica la caída de la noche
Ahora
la muchacha halla la máscara del infinito
y rompe el muro de la poesía.

 

                                                                                                    Salvación de Alejandra Pizarnik 

Salvación expresa el significado de la noche que según la poeta "es el momento en el que se purgan los demonios y se trastornan los perjuicios". 

Alejandra Pizarnik fue capaz de vivir entre el desconcierto y la incertidumbre sacando partido a todo ello, era capaz de aprovechar los chispazos, las descargas de tensión para crear, para escribir: "escribir un poema es reparar la herida,, la desgarradura, porque todos estamos heridos".

Nació en Avellaneda en 1936, hija de judíos ucranianos. Su infancia fue dura, era una niña con sobrepeso. con asma, tartamudez y todo ello aumentado por la existencia de una hermana mayor "perfecta"; Sin olvidar la sombra de " pesares" familiares por los acontecimientos que se estaban desarrollando ( la Guerra Mundial, los parientes masacrados en Rusia).

Con 15 años empieza  a escribir, supone el inicio del descubrimiento de Baudelaire, de Rilke, del surrealismo y la adicción a las anfetaminas que le duraría toda su vida.

Estudia Filosofía en la Universidad de Buenos Aires, pasa al periodismo y a la pintura recibiendo clases del surrealista Juan Batlle Planas ( pintor nacido en Girona  y emigrado con dos años a Argentina , siendo mas tarde  una de las  personalidades influyentes en el  mundo artístico argentino de la época) .

Viaja a París en 1960 estudia en la Sorbona , sobrevive escribiendo artículos y realizando traducciones. Cuatro años mas tarde regresa a la Argentina para convertirse en una poeta madura- y con grandes crisis depresivas-.

Su devoción literaria le lleva al extremo de dormir rodeada de tarjetas rellenas de verbos, adjetivos , sinónimos, ....

En 1969 le conceden la beca Guggenheim, al año siguiente la Fullbright, ninguna  remató.

Se suicida en 1972 ingiriendo pastillas mientras pasaba un fin de semana fuera de la clínica donde estaba internada.

PD.: cuentan en una biografía que esos días antes de su muerte se encontró con una amiga a la  que le pidió un libro: Niebla de Miguel de Unamuno, su última lectura.

Ilusiones ópticas?

 

   He aprovechado la ilusión óptica para "hacer trampa", para dar a estos prototipos- que vais a ver- un aspecto de profundidad que no existe ,ya que son planos, no tienen volumen. Nuestro cerebro los considera estructuras en tres dimensiones a partir de las imágenes en dos dimensiones, son ilusiones óptico-geométricas.

  Estas piezas no se han diseñado buscando  la belleza de las formas, si no la sorpresa  que produce el engaño visual, la ilusión óptica.; Cómo en el cubo de Necker de la imagen con la que arranco la publicación (es una figura reversible, cada una de las caras puede verse en primer plano): observad. 

PGR14701:prototipo para gargantilla conformado por piezas en papel lacadas y montadas sobre material metálico recuperado.

  

PGR14701

anverso del prototipo para gargantilla PGR14701

PGR14702:prototipo para gargantilla conformado por piezas en papel lacadas y montadas sobre material metálico recuperado.

PGR14703:prototipo para gargantilla conformado por piezas en papel lacadas y montadas sobre material metálico recuperado.

 Y, las ilusiones ópticas me llevan al OP ART (abreviatura de <<arte óptico>>) movimiento artístico bautizado por la revista TIME MAGAZINE en el año 1964 ,que se desarrolla como una variante del arte abstracto. Está inspirado en el Puntillísmo de Seurat :

y  en el Orfísmo  - toma el nombre de Orfeo ( personaje de la mitología griega que representa la conjunción de la música y la poesía) pero realmente es una especie de cubismo caracterizado por la exaltación de color y la luz-,como la obra de Sonia Delaunay ( por cierto esta artista ucraniana abrió una tienda de ropa y complementos en Madrid hacia los años 20 del siglo pasado,leed su biografía, es interesantísima):

 

Aprovechando determinados efectos ópticos, mejor dicho, "desconciertos ópticos", hay una serie de pintores en los años 60 del siglo pasado, que consiguieron con su obra obligarnos a forzar el ojo para asimilar dos percepciones contradictorias: cóncavo/convexo, positivo/negativo, todo ello, por medio del desarrollo de un gran control del dibujo geométrico llegando así hacia una profundidad y vibración en las superficies planas de sus cuadros; Observar esta obra de Bridget Riley:

esto es OP ART, esto es una provocación del ojo, esto es  una ilusión óptica.

Ahora un poco de poesía de la gallega  Marica Campo dedicado a otra poeta  argentina: Alejandra Pizarnik ( otra biografía interesantísima y al igual que Delaunay de origen ucraniano y al igual que ella formada como pintora):

A que ama o vento morre, non hai teito

na casa das palabras, rompe o pranto,

florece no silencio, faise canto,

donas vermellas soas polo peito.

Procura da inocencia , do dereito

a seguir desfollando a flor, en tanto

unha outra que é ela tece o manto

para ocultarse a si no cadaleito.

Ela é unha , ela é dúas, ela é medo,

un xardín prohibido na pupila,

ju

un insomnio poboado dende cedo

por unha estrela morta que escintila,

milleiros de anos luz o seu segredo.

Ela é o espello que arde e mais a lila.

Escrito en gallego y no he encontrado una traducción al castellano, pero merece la pena leerlo así, por toda la lírica que desprende este idioma.

P.D.: Tanto Sonia Delaunay como Alejandra Pizarnik se merecen una publicación dedicada a sus obras. En ello estoy trabajando.

con ELIPSES

 

 

 

 

Las formas como la elipse son elementos básicos y visuales en la elaboración y creación de cualquier imagen . La elipse es una figura geométrica estudiada desde la época de los griegos y ha sido útil en la astronomía -para explicar la trayectorias de planetas-, en la arquitectura -para diseñar espacios con características acústicas excepcionales- , en la pintura abstracta -para representar la "contraimagen" de la naturaleza, y  en algunos pintores como Mondrian  que ha utilizado elipses para <cerrar> sus líneas horizontales y verticales en varios cuadros. Esta misma figura, la elipse, es utilizada por mí para limitar  y dar forma a las piezas que componen estos prototipos.  

 

 202305 prototipo para anillo realizado con alambre y papel.

 202301 prototipo para gargantilla realizado en papel.

 202303 prototipo  para colgante realizado en papel.

 202302 prototipo para gargantilla realizado en papel.

   Y cierro esta publicación con la poesía de María Teresa León Goyri, escritora prolífica que sin embargo no ha conseguido el renombre de otros autores de su misma generación - La Generación del 27-. María Teresa fundó revistas, publicó artículos, ( los primeros bajo el seudónimo de Isabel Inghirami, la heroína de D´Annuncio) publicó novelas, escribió guiones cinematográficos, habló por la radio, tradujo textos, supervisó el traslado -improvisado por falta de la ayuda solicitada a los museos europeos- de obras de arte del Prado, del Escorial , de Toledo; Pero hasta ella misma se veía como " cola de cometa" de Rafael Alberti ,con quien se casó.   

   MELANCOLÍA:

......................................................

El mundo en su extensión yace bajo la escarcha,

que reviste de un velo de luz pueblos y campos;

el aire centellea y albos como la cal

brillan los edificios, las ruinas solitarias.

..................................................

Cuando pienso en mi vida, la veo que resbala

lentamente contada por labios extranjeros,

como si no fue mía, como si no he existido.

.......................................................................

 

El prolongado exilio le dejó grandes secuelas que se ven reflejadas en sus trabajos de esa época  y aunque consiguió volver a España ya estaba enferma de alzheimer y no pudo disfrutar el regreso.

 

Geometrías Inusuales

 

 Geometrías inusuales,  como las de Mary Heilmann 

Heilmann , pintora americana -San Francisco, Estados Unidos- nacida en 1940 y con cinco décadas de carrera a sus espaldas, es conocida por su enfoque minimalista basado en  la experimentación con colores brillantes, con goteos, con trabajos por  planos, con composiciones geómetricas inusuales.

Si observas alguno de sus cuadros, puede darte la sensación de estar ante pinturas incompletas o inacabadas, y esa es su "idea", obras intencionadamente incómodas a la vista , obras "pensadas" para rechazar la exhibición de habilidades pictóricas y así descubrir la belleza de las composiciones sin más pretensiones.

"Lo que busco en mi trabajo es que tenga sentido del tiempo y del lugar": de MARY HEILMANN

Lo que busco en mi trabajo es..........?:

Un pequeño apunte sobre M. Heilmann, para ella, la moda y sus tendencias fueron muy importantes en sus comienzos ,  se vestía de una manera muy especial ,prestaba atención a la publicidad de cosméticos , ......., lo cual tenía mucho que ver con su creatividad: dos de sus pinturas se inspiraron en anuncios de la barra de labios Revlon - en los años 50 del siglo pasado- y en el del esmalte de uñas Fire & Ice -de la misma época-. 

Y de Mary Heilmann pasamos a Marilar Aleixandre- Maria Pilar Jiménez Aleixandre-, de una pintora que estudió Literatura  en  la Universidad de California Sta Barbara, a una escritora y traductora que estudió biología en la Universidad Complutense Madrid .

Un pequeño apunte sobre M. Aleixandre,que aunque nació y se formó en Madrid, desarrolló su carrera docente en Vigo-"dónde las mimosas florecen en diciembre"-, comenzando aquí a escribir en gallego, participando en publicaciones colectivas y en las actividades del " O Batallón literario da Costa da Morte".

El poema con el que cerramos , como siempre la publicación , se titula hoy : De abecedario das arbores , y está escrito en gallego como casi toda su poesía.

                 O CE

                  ollo coas acacias

                  con C de coitelo

                  compás de catro por catro

                  acorde de rock

                  máscaras de entroido

                  esconden o gume das rúas follas

                 nun estoupido de lámparas amarelas

                 unha acacia ou mimosa nun entroido

                hai anos

                partiume a lingua en dous

                .........................................

Leed poesía,leed.

 

 

Indolente Geometría

 

                5,4,3,2 y 1

Comenzamos de nuevo,5,4,3,2,1:

hay que romper este estado y nada mejor para ello que estos prototipos de colgantes cerámicos, comenzamos:

Presenteamos formas con actitud apática - ante las geométricamente puras- que se convierten en piezas fluidas, piezas "indolentes" pensadas para ser llevadas en cualquier momento independientemente de su tamaño.

Volvemos con prototipos que giran entorno a las formas cuyo objeto consiste en  vincular  la usabilidad con  la geometría, pero con actitud apática ante ella.

5,4,3,2,1, comenzamos:

5: prototipo para colgante cerámico con 5 piezas

 

4: prototipo para colgante cerámico con 4 piezas

3: prototipo para colgante cerámico con 3 piezas

 

2: prototipo para colgante cerámico con 2 piezas

1: prototipo para colgante cerámico con 1 pieza

 

Y por supuesto poesía, hoy ,Mariluz Escribano: 

".........

El recuerdo camina con sus pasos de lino

por la laguna inmensa de sus puras pupilas,

y como el mar regresa,

con vocación de ola,

a posarse en la densa penumbra

de los sueños.

 

Y es así que esta tarde,

Cuando me miro y siento los puñales del tiempo

Con esquinas de múltiples alfileres de agua

Que me cosen la boca con heridas pequeñas

Con sosiegos, silencios

Y soledades claras.

"........ 

                           Desde un mar de silencio.

 Maruluz Escribano: Poeta "parentesis" entre la Generación del 50 y los Novísimos; Cuyo propósito era alejarse de la poesía social precedente para acercarse a un lirismo interior con fuerte inspiración personal, ( supongo que esto, es la consecuencia de la tardanza en publicar su poesía).

He roto el silencio con esta nueva publicación!!!!!, Leed poesía.